Petróleo Sangriento

Dirección: Paul Thomas Anderson
Año: 2007 País: EE.UU Género: Drama Puntaje: 10/10
Intérpretes: Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Kevin J. O`Connor y Dillon Freasier

Es una de las mejores películas norteamericanas de la última década, Daniel Plainview (Daniel-Day Lewis) es un minero de finales del siglo XIX que termina convertido en un ambicioso magnate petrolífero. Junto a Plainview en su ascenso económico se encuentra su hijo H. W. (Dillon Freasier).

Película del joven director Paul Thomas Anderson que adapta el libro “Petróleo” de Upton Sinclair. El film se revela con grandeza y se centra en el taciturno personaje ambicioso y misántropo de Plainview, que cabe resaltar esta extraordinariamente interpretado por Day-Lewis que por este papel obtuvo su segundo oscar a mejor actor.

Daniel Plainview es una exposición vital y psicológica de progresiva embriaguez por la codicia de poder y las huellas de su pasado y a parte de eso lleva además un problema profundo con su hijo, pero también sobresale el personaje de Paul Dano que hace el papel de un seudo mesías que causara problemas al personaje de Day-Lewis. Ya que le pedirá supremacía a su iglesia a cambio de tierras petrolificas.

A la trama tiene un fuerte referente humano como contrapunto a la personalidad de Plainview, además de la creación de situaciones dramáticas de peso, sea a través de la relación paterno-filial, de los encuentros y desencuentros comerciales, de sus vínculos pasados familiares, de la adaptación cínica al citado ambiente agreste, o del paulatino extravío mental.

Este filme es verdaderamente una mirada profunda a la codicia y a los problemas que pueda traer, con la historia de un hombre que hace cualquier cosa hasta el punto de sacrificar a su hijo y mentir a pobladores ignorantes para conseguir el oro negro, realmente buena.

"Un Filme como los Clasicos de antes"

El Perfume

Dirección: Tom Tykwer
Año: 2006 País: Inglaterra Género: Drama Puntaje: 10/10
Intérpretes: Ben Wishaw, Dustin Hoffman, Rachel Hurd-Woo y Alan Rickman

El Perfume, Historia de un asesino cuenta la historia de Jean-Baptiste Grenouille (Ben Whishaw), un joven sin olor pero con un extraordinario olfato, no ha tenido una infancia demasiado feliz. Abandonado por su madre en la basura, creció en diversos hospicios y fue maltratado por sus compañeros de infancia.

Trabajó con el perfumero Giuseppe Baldini (Dustin Hoffman), aprendió a destilar esencias y viajó hasta Grasse, la capital del perfume en donde creará un aroma con la esencia de varias jóvenes mujeres de la ciudad que el propio Jean-Baptiste tiene que matar y mutilar, para crear asi el mejor perfume de toda la historia y capaz de enamorar solo al olerlo.

El cineasta ingles Tom Twyker se sumergido en el universo psicótico y obsesivo de la atracción olorosa. Lo más importante en este film recae en las adecuadas interpretaciones, en especial el desconocido protagonista y Dustin Hoffman, en el sereno tono de fábula sombría que evita apresuramientos, en la apta recreación de la época y, en parte, en su estilo estético, con un espacial énfasis por parte del autor de “Corre Lola Corre” en intentar transmitir con su imaginería y buen cuidado en el detalle la esencia oliente que singulariza este estudio de personaje.

También cabe recalcar la buena dirección de fotografía que utiliza el director para intentar compensar el laconismo del protagonista y para que atrape al publico con la belleza de los paisajes que se muestra en la cinta. La escena cuando quieren ejecutar al joven asenino es simplemente espectacular.

Otra de las partes más espectaculares de la película es la muerte del asesino por sus extrañas particularidades, otorgándosele un sentido trágico-romántico de sus “habilidades” conducentes a una recreación ambiental. Algunos criticos apabullaron este filme porque no tenia nada parecido a la versión literaria, pero yo creo que el cine es otro arte y tiene otro estilo, claro ejemplo es este gran filme.

En resumen se puede rescatar su mérito en el aspecto visual, y la exposición de la historia que es aséptica y vanguardista, es una historia que te atrapa de inicio hasta el final, ya se por su estructura casi fabulista o por la gran contundencia que tiene el guión, una pela imperdible.

"Un filme que hara despertar tus 5 sentidos"

La Fuente de la Vida

Director: Darren Aronofsky
Año: 2005 País: EE.UU
Genero: Ciencia Ficción/Drama Puntaje: 8/10

Intérpretes: Hugh Jackman, Rachel Weisz y Ellen Burstyn

El mismo Aronofsky dijo de esta película “La Fuente de la Vida, es una odisea alrededor de la eterna lucha de un hombre por salvar a la mujer que ama", la historia se basa en un científico llamado Tommy Creo (Jackman) intenta curar el cáncer de su esposa, Isabel (Rachel Weisz), quien está escribiendo un libro llamado “The Fountain” y ambientado en la España del siglo XVI, época en la que los conquistadores españoles estaban en combate contra los mayas.

Espectacular historia fantástico-ontológica-romántica presentada por Darren Aronofsky, el singular autor de “Pi” y “Réquiem por un sueño” que aquí aborda conceptos como la vida, la muerte y la eternidad. Con altas dosis de intriga surreal y poética, en ocasiones embarullada con saltos temporales de ficción, ambiciosas simbologías, a ratos onanistas, que tanto pueden expresar una cosa como otra, estética computerizada, y apuntes míticos-místicos, que tanto viajan a la cultura maya como a la génesis bíblica.

La base del film es la lucha de una pareja por la pervivencia vital y la trascendencia temporal de su relación amorosa, Tommy muy bien interpretado por Hugh Jackman hará lo imposible para encontrar la cura para su amada y es dará como resultado que la enfermedad terminal se convierta en la unión de esta odisea, en causa y efecto.

Aunque se sigue sin problemas y tiene cierta fascinación en bastantes tramos que relacionan a los dos protagonistas con un peso esencial en su imaginería, un aceptable manejo del tempo, y múltiples silencios, en ocasiones muy expresivos, la película tiene las clásicas taras de estos cineastas presuntamente experimentales.

Para evitar caer preso de proyectos ególatras con valoraciones puramente coyunturales que más tarde no pervivan con el paso del tiempo, Aranofsky, que por lo menos a diferencia de otros trata los temas con cierto enfoque e interés, tendría que limar por lo general los tonos grandilocuentes, además de evitar divagaciones en la exposición que permitan interpretaciones gratuitas al plomo de turno que todo lo raro le llama la atención por el único hecho de ser raro, sin entender que tales rarezas están al alcance de cualquiera.

"Un Filme Filosofico y Romantico"

El Espíritu de la Pasión

Director: Kim Ki-Duk
Año: 2005 Pais: Corea Genero: Drama Puntaje: 10/10

Intérpretes: Lee Seung-Yeon, Jae Hee y Kwon Hyuk-Ho

Una verdadera obra de arte, una de las mejores películas asiáticas que he visto. Tae-Suk es un joven poco convencional. Se instala en casas temporalmente deshabitadas, nunca roba ni rompe nada y encuentra una manera de pagar su estancia lavando la ropa sucia que encuentra y arreglando objetos estropeados. Un dia decide ocupar una casa en cuyo jardín hay una zona preparada para jugar al golf, y allí es descubierto por Sunhwa, una joven a la que su marido maltrata. Desde entonces, unidos por las circunstancias, los caminos de Tae-Suk y Sunhwa se convertierán en uno solo.

Pocas veces una imagen vale más que mil palabras, y aun en menos ocasiones el silencio cobra entidad propia como lo hace en esta película, en la que realidad y sueño se entrelazan de tal manera que se hace imposible para el espectador separarlos. Y sobre todo un final poetico pero a la vez metafisico, realmente espectacular.

Partiendo de una premisa original y singular, pero aún realista, el director de "La Isla" y de "Primavera, verano, otoño y... primavera" vuelve a sorprender con una fábula sobre la soledad y sobre como la soledad puede desaparecer si es compartida, una historia surrealista y mágica en la que lo de menos es lo que ocurre o no ocurre en realidad.

Sin evitar caer en los brazos de lo absurdo, Kim Ki Duk pide al espectador que imagine, que le ayude a reconstruir aquellas partes del film que se ocultan al espectador o incluso aquellas que a priori carecen de sentido, y así, consigue algo que sólo es posible en el mundo del séptimo arte, una plena identificación con dos personajes marginales, asociales y silenciosos. ¿Cuando antes un protagonista, sin ser específicamente mudo, puede pasar los 95 minutos de metraje sin decir una palabra? ¿Cuando antes el prototipo de antihéroe, ajeno a las exigencias de la sociedad actual, puede resultar tan atrayente?

En resumen, con esa sensibilidad oriental que aún nos es, desgraciadamente, lejana y ajena, El Espíritu de la Pasión se convierte en la confirmación de su autor como uno de los grandes cineastas asiáticos del momento y se revela como una pequeña joya, una auténtica obra de arte.

"Una Poesia hecha Pelicula"

Babel

Dirección: Alejandro González Iñárritu
Año: 2006 País: EE.UU/México/Japón/Marruecos
Genero: Drama Puntaje: 9/10

Intérpretes: Brad Pitt, Cate Blanchett, Gael García Bernal y Rinko Kikuchi

Con esta crítica cierro el especial de este genial director mexicano, para mi este es su mejor filme hasta ahora, aunque alguno no estaran de acuerdo con mi posición, El nombre “Babel” evoca un sentimiento de caos, el caos de la comunicación en un mundo que al parecer a pesar de tener varios idiomas se las arregla lúcidamente para comunicarse sin mucho problema, ¿qué pasa con esta sociedad?, ¿cómo se logra la comunicación?, desde una óptica fresca el director Alejandro González Iñarritu propone conjuntar cuatro historias de cuatro culturas diferentes, las cuales se adaptan más allá de lo notable, son impecables, fervientemente fieles a la realidad más que nada una devota pintura objetiva de las sociedades que se pretenden plasmar.

Todo lo que gira conforme a este aspecto es relumbrante, desde escenarios, la fotografía del experimentado Rodrigo Prieto, la impecable dirección artística, todo congenia en un ambiente totalmente fidedigno que da seguridad al espectador, sea la sociedad estadounidense con un matrimonio que se desmorona, así como las pequeñas familias de Maruecos o quizá el ambiente muy en boga de la sociedad oriental, así como la representación de cierta parte de la sociedad mexicana.

Sin embargo el director confiesa que ha sido sumamente agotador tener que filmar escenas de cuatro culturas diferentes, quizá tan distantes como la representación de cuatro películas diferentes en el tiempo de una; es que las historias se llevan a cabo en diversas localidades del mundo, los personajes se encuentran distantes unos de otros, lo que nos lleva como espectador a preguntarnos ¿cómo se las ingeniará el guionista para entrecruzar todas las historias?, y es aquí donde se halla mi decepción, pues a pesar de que la unión es una fina trama con hilados perfectos en su momento, nos hallamos con el hecho de que al parecer el título se encuentra un poco dubitativo, la unión de las historias se da con un desencadenamiento sutil y saltos en la temporalidad que son más que acertados, sin embargo no convence del todo, su guionista Guillermo Arriaga, el cual se ha basado en su propia idea conjugada con la del director para sacar adelante el libreto, comienza la cohesión con delicadeza y dedicación sólo para culminarla, desplomarla fácilmente.

No se lleva el mismo pulso en toda la cinta, tampoco nos habla verdaderamente de la comunicación, es más bien el efecto y las consecuencias del mal uso de un arma, una casualidad o un accidente lo que se usa como pretexto para que se desenvuelva la historia, un tipo de engaño, no veo por ningún lado esa especie de globalización tan prometida, tampoco veo problemas de comunicación pronunciados, esperaba un poco más de esta producción que a mi perspectiva lucía extremadamente prometedora, la cohesión de sus historias es creíble, sin embargo cada una llega a realizarse por su lado dejado atrás al resto, a pesar de derivarse del mismo punto y ser una cadena, llegamos a una instancia en que los eslabones se desenganchan desinteresadamente, algo que es un marcado error en una producción donde todo se debería llevar de la mano, inclusive una de las historias es agregada como mero pretexto narrativo.

La alta calificación de la cinta se debe a que a pesar de ser una decepción en muchos aspectos, logra destacarse en otros tantos, el montaje es un acto soberbio que merece una mención respetable, las actuaciones son destacadas, Brad Pitt se muestra ante cámaras desahuciado y poco atractivo con el fin de demostrar que su talento es más importante que su físico, esto quizá por el envejecimiento; aspecto que no afecta en lo más mínimo a una sobresaliente Cate Blanchett, brinda una actuación de talla en un personaje poco carismático; Gael García que poco se luce, es un actor de relleno, un hombre con renombre así como Koji Yakusho, mera publicidad para la cinta, pero hay talentos que sobresalen notoriamente, como lo es Rinko Kikuchi y una impactante Adriana Barraza, también existen muchos otros aspectos destacables mencionados ya anteriormente pero sobre todo una innovación para las salas de cine, sobrepasa sin problemas al entretenimiento para aposentarse en la reflexión, una cinta muy por encima de la media.

"Un Filme Cosmopolita"

Amores Perros

Director: Alejandro González Iñarritu
Año: 2000 País: México Género: Drama Puntaje: 7/10

Intérpretes: Emilio Echevarría, Gael García Bernal, Goya Toledo y Jorge Salinas

Ópera prima del director mexicano Alejandro González Iñarritu que cuenta con maestría tres historias diferentes que tienen un patrón común: el amor y los perros.La primera historia nos pone en la piel de Octavio, un joven mejicano que esta enamorado de la novia de su hermano, Ramiro, el cual se dedica al asalto a mano armada de farmacias, cuando no ejerce de cajero en un supermercado. Octavio se ve envuelto en el mundo de las peleas de perros ilegales para conseguir dinero fácil y poder así convencer a la novia de su hermano de que se vaya con el, pero la trama se complicara aun mas.

En el segundo relato nos narra las vivencias de una modelo española que mantiene un romance con un hombre casado, este abandona a su mujer y se va a vivir con ella y con su inseparable perrito (Richi), pero la aparente felicidad de la pareja se vera truncada cuando un accidente de trafico acabe con la carrera de la modelo.

La tercera y ultima historia trata sobre un peculiar viejo vagabundo que se dedica a ejercer de asesino asueldo y a recoger y cuidar a todos los perros abandonados que encuentra a su paso, pero el amor que siente por su hija, a la que abandono con tan solo dos años, le hará recapacitar e intentar cambiar de vida. Extraordinaria película en la que el mejor director azteca del momento (gracias a títulos como Babel y 21 gramos) cuenta con arte y maestría tres historias de manera simultanea pero sin llegar a entrelazar unas con otras y sin que las historias tengan que ver entre si. Buena dirección y buen guión que nos pretende transmitir (bajo el pretexto de los perros siempre presente) unas historias de eso mismo de Amores perros.

Amores que en todas las historias son difíciles o imposibles y que no tienes un desenlace feliz, nos cuenta como la vida de alguien puede tomar un rumbo totalmente distinto al que llevaba de manera repentina y dramática. Lo grandioso de la cinta es como refleja realidades muy comunes en todos nosotros, pero llevadas al extremo.

La cinta en un principio puede resultar algo difícil de entender debido a las expresiones y al vocabulario mejicano utilizado en todo el film, pero en seguida el espectador se mete en escena.
Cabe también destacar la buena interpretación de Gael García Bernal, y Goya Toledo, que no llega a estar demasiado acertada en la película. A pesar de todo es una muy buena película y excelente carta de presentación para el director mejicano que hasta el momento no hace sino películas de gran calidad.

"Un Filme Realista"

21 Gramos

Director: Alejandro González Iñárritu
Año: 2003 País: EE.UU Genero: Drama Puntaje: 8/10

Intérpretes: Sean Penn, Naomi Watts y Benicio del Toro

Con esta crítica quiero empezar a describir la carrera de este genial director mexicano como lo es Alejandro González Iñárritu, el inventor de otra forma de contar una historia, comenzaremos con 21 Gramos, Tras un trágico accidente, la vida de tres parejas terminará vinculándose. Paul Rivers (Sean Penn) es un profesor universitario a la espera de un transplante de corazón. Su esposa Mary (Charlotte Gainsbourg) quiere concebir un hijo suyo por inseminación artificial.

Su esposa Cristine (Naomi Watts) es una antigua drogadicta que mantiene ahora una existencia feliz junto a su esposo Michael (Danny Huston) y sus hijas, mientras que Jack Jordan (Benicio del Toro), luchando con su esposa Marianne (Melissa Leo) por sacar adelante a su familia, se ha convertido en un fervoroso creyente después de haber abandonado la prisión. Es como un shock, la sensación que uno tiene después de ver 21 gramos, no se puede explicar muy fácilmente, si se pudiera no iría nadie al cine.

La película es de lejos lo mejor que he visto esta decada hasta ahora, y la verdad no creo que las que me faltan por ver vayan a cambiar algo, sería raro que dos películas esta decada me apasionen más que todas las de los ultimos años juntas. El film, al igual que "Amores perros", (primer largo de Iñárritu) está contada tomando como enlace un accidente de coche e involucrando a través de él las vidas de los tres protagonistas, sin embargo en esta ocasión existe una química, una intensidad brutal entre ellos de la que carecía la predecesora.

La narración se mueve continuamente de adelante hacia atrás, se nos muestran con cuentagotas hechos del final para luego relatarnos como es posible que se llegue a esa situación, y el resultado final son dos horas llenas de intensidad, y de expectación, con un resultado muy innovador, escenas que ves partidas, con su complemento no mostrado hasta más adelante pero todo, sin embargo, en perfecto orden y armonía.

Es excelente porque al cine se va a experimentar sensaciones, a sentir, e Iñarritu nos da 120 minutos arrebatadores en los que no paras de temblar, por la viveza, la dureza, de un modo salvaje e incontrolado, y en ello tiene mucho que ver el excelente trío interpretativo, sobresaliendo entre ellos de un modo avasallador Naomi Watts, no hay suficientes palabras para describir lo que consigue esta guapa mujer con su actuación, su papel, mujer fuerte invulnerable, lo dota de un estilo y personalidad que marcan, que dejan huella, absolutamente dramática su interpretación, creíble y dotada de una extraño acento pasional que hace vivo al personaje.

Y a la película se encarga de dotarle esa fuerza el propio Iñárritu a través del surrealista vinculo tragico-pasional que crea entre Sean Penn y Watts, unidos los dos de un modo eterno, por lazos irrompibles, que ni siquiera ceden ante la muerte, componiendo así una ambigua, breve e intensa historia de amor entre tanta desazón y desgracia, excelente contrapunto.Por su parte Benicio del Toro contribuye metiéndose con gran solvencia en la piel de uno de esos tipos que hagan lo que hagan siempre tendrán el destino en su contra, movido por impulsos y dotado también de esa extraña pasión que acongoja, presente en cada rincón del film. En dos años pasa de no ser creyente a tatuarse el cuerpo con cruces religiosas para luego rajarlas con un cuchillo quemado.

"Una Película Imperdible"

La Teta Asustada

Directora: Claudia Llosa
Año: 2009 País: Perú Genero: Drama Puntaje: 7/10
Interpretes: Magaly Solier, Susi Sanchez y Marino Ballón

Por fin se estreno la cinta nacional ganadora del Oso de Oro de Berlín, nos referimos a “La Teta Asustada” de Claudia Llosa. Si Madeinusa era el insólito título de un film sorprendente dirigido por la joven realizadora peruana. También era el nombre de una joven india con el rostro de Magaly Solier.

La teta asustada es otro insólito título de la segunda cinta de la misma directora, y en ella encontramos de nuevo el hermoso rostro de Magaly Solier encarnando un personaje que atraviesa la película desde el miedo y el silencio hasta la luz y la fuerza. La teta asustada es, además, el nombre con el que se conoce en Perú una extraña enfermedad que deja sin alma a los niños amamantados por las mujeres que sufrieron directamente la violencia de Sendero Luminoso y los paramilitares.

Fausta es una joven que padece el mal de la teta asustada al que intenta combatir componiendo canciones en quechua que nacen del corazón. Pero Fausta tiene un secreto más profundo y hasta que no consiga arrancárselo, literalmente, del cuerpo, no podrá alcanzar el equilibrio como ser humano.

Claudia Llosa cuenta esta historia contemporánea, ambientada en un barrio emergente de la ciudad de Lima, con la delicadeza del trazo de una flor, tratando con todo cuidado a su protagonista, dejándola crecer en un contexto en el que la vida cotidiana está llena de bodas y festejos, piscinas improvisadas y amigos inesperados.

"El Renacimiento del Cine Peruano"

Pandillas de New York

Director: Martin Scorsese
Año: 2002 Pais: EE.UU Genero: Drama Puntaje: 10/10
Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Daniel Day Lewis, Cameron Diaz y Liam Neeson.

Gran película del maestro Scorsese (a mi parecer el mejor director de todos los tiempos) con una trepidante historia, que nos cuenta los orígenes del hampa en Estados Unidos y en lo que realmente consiste ser un patriota.

Tras un comienzo sangriento y violento, en el que se nos muestra una época llena de odio y en la que el sentimiento racista y clasista americano se encuentra en su máximo esplendor (está a punto de comenzar la Guerra de Secesión), podemos ver, tras un perfecto plano en el que se aprecia como la muerte hace que incluso el más fiero guerrero parezca un corderito, el cuerpo sin vida de un hombre cayendo en la nieve.

A su lado, otro, se alza victorioso, orgulloso y en cierto modo aterrador, mientras que en un tercer plano se encuentra un niño que acaba de contemplar la muerte de su padre y que, más tarde, clamará venganza. Ésta es la base de una película en la que Scorsese nos muestra los barrios bajos de Nueva York con una puesta de escena magnífica, cruda y lo mejor de ello: real. Scorsese nos muestra como para que una nación alcance su máximo esplendor antes se ha de derramar mucha sangre.La película nos enseña una época en la que las enfermedades están a la orden del día, se hace cualquier cosa por un pedazo de pan y el miedo es el principal vehículo para imponer el orden de las cosas.

Ésta última idea viene representada en el personaje de Bill el carnicero (Daniel Day-Lewis), que yo creo que es el verdadero protagonista de la historia y que tiene una personalidad que le hace especial y que le asemeja con una especie de "Padrino". Yo creo que el oscar al mejor actor está asegurado este año. Hay un momento en la película que creo que es crucial para el desarrollo de la historia y es la escena en la que Bill se encuentra sentado en la cama, envuelto en la bandera de los Estados Unidos y suelta un magnífico monólogo en el que nos demuestra su lado más oscuro y con el que firma un lazo especial con Ámsterdam Vallon, el niño que años antes había jurado su muerte ( otro detalle a observar es el ojo de cristal en el que tiene impregnada el águila imperila estadounidense).

El otro protagonista de esta historia es Amsterdan Vallon (Leonardo Di Caprio), el hijo del sacerdote asesinado hacía dieciséis años. Al principio Amsterdan quiere venganza por el asesinato de su padre, como se nos muestra en esa magnífica voz en off, y que se ve claramente en esa soberbia escena en la que tira la Biblia desde el puente, hecho que simboliza su caída en los infiernos; pero poco a poco, entabla con Bill una relación no sólo de amigos, sino como de padre e hijo, el padre que nunca tuvo. Pero como en todos los desastres, aparece la figura de una mujer, Jenny, amante de Bill pero que se siente fuertemente atraída por Ámsterdam.Ella es una ladrona profesional, carterista para ser exacto, y uno de sus robos, excelentemente ideado, es el de hacerse pasar por criada en una casa de la nobleza y mientras tanto desvalijarla. El dueño de la casa que desvalija es el propio Scorsese que aparece en un cameo.

Hay mucho secundarios de gran importancia como el alcalde corrupto, que se alía con cualquiera para conseguir votos; el Sheriff irlandés, que deja atrás la violencia a la que hacía honor o el irlandés que se pasa al bando de los nativos, además de los personajes del resto de las bandas. Para concluir debo añadir que la dirección realizada por Scorsese es magnífica, con secuencias muy buenas (como es la llegada de los jóvenes irlandeses, su alistamiento y, etc.... no quiero desvelarlo) y para mí que el oscar va a estar de su lado. El montaje y la dirección artística está perfectamente diseñados y también creo que ganarán el oscar, y otra cosa: recomiendo la magnífica canción de la película " The hands that built America " interpretada por U2. Ésta película nos demuestra que el buen cine todavía está en auge y que sus buenos directores y actores todavía están vivos.

"explenderoso Filme"